古代花卉名画，关于花的名画有哪些（中国古代名画）

中国古代花鸟画各有哪些著名的代表人物及主要作品？

中国古代花鸟画的著名代表人物和主要作品有：崔白的《寒雀图》描绘了隆冬时节一群鸣叫的麻雀；宋丽的《花篮图》描绘了花篮中的一组花，如山茶花、蜀葵、草等。匿名《出水芙蓉图》，凸显莲花高洁的品格；徐渭《杂花图卷》全画由牡丹、石榴、荷花、梧桐、菊花、南瓜、扁豆、紫薇、葡萄、香蕉、梅子、竹子、水仙等十一部分组成。朱《聋子《荷花水禽图》描绘的是一只缩颈的水鸟，仿佛在盯着它的眼睛；郑燮《丛竹图》描绘的是一丛黑竹。

中国古代花鸟画家中有哪些代表人物

中国花鸟画是中国传统绘画三大学科之一。花鸟画描绘的对象其实不仅仅是花和鸟，而是各种植物和动物，包括花卉、果蔬、羽毛、昆虫和动物。历代花鸟画家辈出，如唐代《学记》中的仙鹤、《边鸾》中的孔雀、刁光银的花竹等。郭五代鹰，黄泉、花鸟；北宋赵昌的花，崔白的鸟，吴的花鸟；南宋吴冰的断枝，林春的花果，李娣的飞鸟；元代李丽丽的《竹》、张守中的《鸳鸯》、王冕的《梅》；明代梁麟的鸟，陈淳、徐渭的墨花；清代的鱼，云的莲，华喦的鸟；吴昌硕的现代花卉、齐白石的花果、徐悲鸿的马、潘天寿的雁荡山花、朱宣咸的梅花、李苦禅的鹰、李可染的牛、陈之佛的工笔彩花等。都是一代一代有名的。3354常识艺术篇。

中国古代花鸟画的艺术特色是什么

两者的共同点是都是以素描为基础，目的都是通过物来表达情感，通过物来表达志向。

中国古代花鸟画可分为哪几个类别

民间绘画中的花鸟画传统是写生，符合写实。传统的创作方法是热爱生活，观察生活，研究生活，从而熟悉生活。《3354》以丰富的想象力、大胆的夸张、简洁脱俗的笔墨，描绘了瞬间的动态，包括有晴天有雨天的花。似乎不应该算是“静物画”。花鸟画家之所以能捕捉到花鸟千变万化的动态，与画家对生活的热爱、熟悉和观察研究是分不开的。再加上他们丰富的想象力和娴熟的素描，自然就为眼前的事物创造出真实、概括、生动、形象的作品，比如眼前闭眼，腕底写字。这幅作品完全可以达到动人花鸟画的独特风格。动植物树木的名称在商周时期的民歌—— 《诗经》中已被广泛使用。同时，劳动人民在商代的青铜图案上塑造了凤凰的形象。此后，简单的花，生动的鸟等。我们可以从青铜器、陶器、玉器、漆器、砖、瓦和壁画中看到生动、简洁和概括的形象。《女史箴图》东晋顾恺之传世，在《日全月满》时期，他画了两只猩红色的长尾鸟，一只惊飞而回，一只伸着脖子飞翔，十分传神。这是流传至今的最早的卷轴画。当然，长沙楚墓出土的《龙凤人物帛画》更在前面。从东晋经南北朝至隋唐，中国画吸收外来文化，滋养自身，变得更加多样化。当时文献中出现了一些花鸟画家。同时，在民间画师的遗存、壁画、墓葬、砖雕、建筑以及日常生活中的物品上，都能看到丰富生动的花鸟画和花鸟图案，直至完全发展为单幅画——幅花鸟卷轴画。据《宣和画谱》的记载，唐代花鸟画家只有八位。书中谈到薛基画鹤，说他是写生的，不仅因为他的姿势生动传神，而且因为他一眼就能知道鹤的雌雄和鹤种的南北，所以李白和杜甫都写诗赞美他。现在流传国外的赵霁《六鹤图》，很可能是从薛基的画风传下来的。另外，萧月画的竹子，当时的诗人白居易看过。他以画竹为诗题：“我忽然抬头，见不像画，只是在低声听。”通过这些记载可以看出，民族花鸟画的素描传统是通过把握对象的瞬间动态来表现的，这与把画花鸟看成静物画正好相反。虽然以上只是文献中的一些记载，但我们还是来看看故宫博物院里陈列的《簪花仕女图》里所绘的花鸟吧。民间花鸟画更为发达，在壁画、器物、雕刻等方面呈现出繁荣活泼的风格，比上一代更加绚丽多彩。从五代到北宋末，花鸟画继承了唐代的写生传统，并发展成丰富多彩的形式。可以说，到北宋末年，花鸟画已经到了一个辉煌繁荣的时期。此时的花鸟画提倡写生，提倡师法创作，提倡从生活中塑造高韵的形象，尽量避免巧夺天工。除了色彩设置的柔和典雅，主要是为了提高素描图像的精神和骨气，反对素描时做工精致而失去笔墨的高韵味。设色时，对立变得轻佻，导致气势和力度不足，变得无力。南宋时期，花鸟画虽然仍然继承了北宋后期的花鸟画传统，有了新的发展，但发展深度不够深，继承的成分很多。比如李棣，他学习了徐希和崔白，传给了他的儿子李德茂和当时的画院。李安忠学习黄泉、黄居才，他通过了

马援用他画山川的创作方法写梅花和溪水，描写溪水中人群的动态。马林在《白眉》中用苍劲有力的笔触描绘冷香。都很有创意，尤其在构图方面，一个为围观的人群营造了一个优美的环境，一个在一角画了梅花，大部分都是空白的，让人觉得冷艳芬芳。此外，还有一派是工笔兼作，起源于北宋，如苏轼、赵霁的竹画，只画浓淡墨，不画轮廓。这和许崇思的创作发展是一样的，只是涂了颜色变成了无骨之花。还有梁凯和常发和尚的作品，比如梁凯的《画馆》《梅石溪凫图》；法国号木西，他的作品，

日本保存很多幅，最著名的如《松藤八哥图》、《竹鹤图》等。与此同时，有杨无咎的墨梅，赵孟坚的墨兰和白描水仙，他们也都是从兼工带写发展下来的，最后发展成为文人画。　　两宋花鸟画，是继承并发扬了唐代绘画的优良传统，强调了花鸟画的能动性——气韵生动。同时，还要求做到形神兼具，妙造自然。花鸟画是情节性有诗意的动的绘画。文人水墨画如画竹、画兰、画禽鸟等，也讲究风晴雨露，也讲究飞鸣食宿，他们更是强调了这一点，这也就是在“六法”中首先要求要做到“气韵生动”的这一优良传统。不过，在北宋，传统的发扬和风格的创造比较多，在南宋，传统的继承比较多，传统的发扬、风格的创造比较少。由于北宋时期的画家，仅一部分入了画院，南宋虽是偏安的局面，但大部分画家都在画院，这也许是在绘画上继承和因袭成分加多的原因之一吧。在院外的文人画，在南宋末期逐渐发展成为主流，直到元代，这并不是偶然。　　元朝的花鸟画，在花鸟画家来说，已感到寥寥无几。赵孟頫的《枯木竹石图》、《幽篁戴胜图》是他充分发挥了笔墨作用的。像陈琳的《溪凫图》、王渊的《幽篁鹁鸽图》、张守中的《桃花山鸟图》等，他们都是水墨和白描向结合，兼工带写的组品。在这时期应特别提出的是画竹和画梅，李衎、柯九思和王冕的作品，如故宫绘画馆所陈列的《四清图》、《双勾竹石图》、《墨竹图》、《墨梅图》、《三君子图》等，在绘影、绘声和绘芳香方面，假如肯平心静气地领略一下的话，是完全可以理解的。我对它的看法是：由用绢到用纸，由用色到用水墨，在写生的基础上进步到兼工带写，半工半写，做到“石如飞白木如籀，写竹还须八法通”的高度技巧，专就花鸟画来说，是有它辉煌成就的。　　明朝的花鸟画，它的发展，基本上是沿着兼工带写这方面发展的。明初虽又设立了翰林图画院，在武英殿置待诏，在任智殿置画工，并且把工笔花鸟画家边文进召至北京，给他武英殿待诏的官职。边文进和明中叶的花鸟画家吕纪都是继承南宋花鸟画而发展下来的。边学李迪、李安忠的成分比较多，吕学马远父子和鲁宗贵的成分比较多，吕学马远父子和鲁宗贵的成分比较多，我们一见到他们的作品，即可看出他们继承传统的成分。但是他们都还保持着自己的风格。到明末的陈洪绶，他的花竹翎毛，是创造性地继承着宋人的勾勒，他比边、吕二家更有新的成就。　　这一代的花鸟画已发展成了多种多样的形式。写意画里形成了小写意和大写意。并且那时的士大夫阶级竟主张对花木不必管花、叶和花蕊的真实，说什么“若夫翠辨红寻，葩分蕊析，此俗工之技，非可语高流之逸足也”(见《丹青志》陈淳条)。这就是说，“庸俗”的“画工”，才对花木去辨别叶子，追寻颜色，识别花朵，分析花蕊，“高流”的画家们可以不管这一套而信笔一挥。这就造成脱离实际、脱离写生的花鸟画。但是，大笔的写意花鸟画家有林良和他的儿子林郊以及王乾、徐渭、八大、石涛(编者按：现在画史一般将八大、石涛归入清代画家)。这是痛快淋漓的水墨花鸟画，对于花鸟画传统来说，它是从写生向前发展的，首先是做到了生动活泼。小笔的写意花鸟画家有沈周、陈淳、陆治、周之冕、孙克弘这些人。他们是以清倩柔婉见长的，为了与“俗工”有别，他们有的“不求形似”，只是片面地强调笔墨的高韵，对于花鸟画写生传统所要求的“形神兼到”，似乎抛弃形而只在求神。明初画院里，发明了画翎毛的“点厾法”，用破笔枯墨，连点带刷，非常生动活泼，这是进步的方法，这方法至今普遍地流传着。另外，还发明了勾花点叶的画法，至今仍被画家使用着。明末，有胡曰从的《十竹斋画谱》行世，这对初学绘画是有帮助的。　　清代的花鸟画，在这一时期里，我们首先看人物画、山水画的发展，然后再看花鸟画。这样比较一下，花鸟画比其他的人物山水画还是有它向前发展的一个方面，尽管相对地脱离了花鸟画写生的传统。例如，明末清初的恽南田、王忘庵，他们批判了明代画用笔的粗狂，发挥了“没骨”写生的功能。用“没骨法”或是“勾花点叶法”来进行写生，他们是比明代的画家又向前发展的。特别是恽南田的作品，更可以说明这一点。清代初期，由明代士大夫所倡导的梅、兰、竹、菊四君子画，到这时也印行了画谱——《芥子园画传》二集，第三集是花鸟草虫画传。到了中期，工笔花鸟画沈南苹往日本教授花鸟画。士大夫阶级的花卉画家蒋廷锡、邹一桂等也画出一些颇为鲜艳的“奉旨恭画”的作品。这时画花鸟的还有华喦，他千锤百炼出来的形象，使用清新明快的手法，以少胜多地塑造出一花一鸟、几片叶、一枝藤的形象，使人见了，直觉得他是“惜墨如金”。继承者或者说模仿他的只有一个李育，他不但是画，连题字也学得神似，因此，传到目前的华喦画中，使人怀疑很有可能有一些是李育搞出来的。再后就是赵之谦，他的花卉首先值得珍视的是他把游历所看见南海两广的花果，用他圆润灵活的笔调，鲜明的色彩，把这些花果如生地给反映出来。同时，对于新鲜事物——中原不常见的花果，也表达出作者对它们的思想情感。　　末期还有“三任一吴”，“三任”是任渭长、阜长和伯年，“一吴”是吴昌硕。“三任”的花鸟画，是从陈老莲的花鸟画发展下来的。渭长的笔调比较稳当，阜长、伯年他们的笔调更加泼辣，但是行笔如风、一挥而就的气势，是他们独特的风格，尽管他们有些过分地夸张了笔墨。吴昌硕是从苍老拙厚的笔调上求得画面上的协调，对于形象，却是大胆地加以夸张和剪裁。所谓大笔破墨花卉，成为一时最杰出的作品~